La nueva exposición del Atelier des Lumières nos propone una inmersión en las obras de Vincent van Gogh. Con proyecciones que abarcan toda la superficie del Atelier, esta nueva creación visual y musical repasa la vida intensa del artista, que, durante los diez últimos años de su vida, pintó más de 2.000 cuadros que actualmente se encuentran repartidos en colecciones de todo el mundo.

A través de 98 obras de 68 artistas, la muestra pretende analizar no solo el lugar que ocupa el pastel frente a la tradicionalmente venerada pintura al óleo, sino también las razones que empujaron a varios artistas de los siglos XIX y XX a adoptar y reivindicar este medio. Dividida en diez secciones cronológicas, la exposición destaca los momentos clave y las figuras centrales del renacimiento del pastel durante la primera manifestación de la modernidad, momento en el cual esta técnica consiguió ser considerada un arte por derecho propio.

La muestra se adentra en el espíritu de una época marcada por la presencia del azul y de sus connotaciones. Se trata de un período, el de finales del siglo XIX y comienzos del XX, en que se constituye una poetización estética basada en la relación entre los paisajes, los fenómenos de la naturaleza y los estados anímicos. Esta correspondencia entre la naturaleza y el yo se inscribe en el proyecto de la modernidad, transita por el simbolismo y ve nacer el cinematógrafo.

La exposición itinerante "Charles Rennie Mackintosh: creando el estilo Glasgow" será la primera exposición en los Estados Unidos que no solo presenta la obra seminal de Charles Rennie Mackintosh (1868-1929), sino que sitúa también su producción en relación a un círculo más amplio de diseñadores y artesanos con quienes compartió elementos estilísticos, fuentes de inspiración y mecenas. Asimismo, a través de la riqueza extraordinaria de las colecciones municipales descubrimos la relación de este artista estrechamente vinculado al estilo Glasgow con la ciudad.

Con carteles, pinturas, esculturas, muebles y cerámicas, la exposición, ilustra el extraordinario florecimiento artístico y artesano que a inicios del siglo XX arrolló y cambió los gustos en la decoración.

(Aladdin Sane) Ukiyo-e, Tokyo, 2018 © UKIYO-E PROJECT"/>

La primera está dedicada al último periodo del ukiyo-e. La muestra se centra en uno de los artistas más importantes e innovadores del siglo XIX, Utagawa Kuniyoshi (1797-1861). En cambio, "UKIYOENOW: Tradición y experimentación" abre nuevas dimensiones en el tratamiento contemporáneo de esta forma de arte japonés y plantea la cuestión de hasta qué punto las distintas formas de producción -artesanía tradicional e impresión digital- además del nuevo contexto de culturas populares globales/transnacionales están teniendo un impacto en el nuevo desarrollo del ukiyo-e.

La muestra, comisariada desde el Museo de Arte de Cerdanyola con la colaboración de la Fundación Joan Abelló, nos aproxima a la temática del desnudo masculino, desde una perspectiva feminista que reivindica la igualdad de género y la diversidad de identidad de género, sexual y afectiva.

Descubre el arquitecto Otto Wagner, figura principal de la escena arquitectónica europea de finales de los siglos XIX y XX. Sus obras contribuyeron en gran medida a la aparición de una "arquitectura moderna".

Esta exposición forma parte de la temporada vienesa que organiza la Cité.

La muestra subraya las correspondencias entre dos artistas que interrogaron a lo largo de sus carreras los principios de la escultura y subvirtieron la mirada tradicional hacia el cuerpo humano desde una estética renovadora.

Aubrey Beardsley (1872-1898) sorprendió y deleitó al Londres del final de la época victoriana con sus dibujos sinuosos en blanco y negro. Exploró la erótica y la elegancia, el humor y el esperpento, sumando admiradores de todo el mundo con su estilo particular.
Esta exposición abarcará la carrera intensa y prolífica de Beardsley como dibujante e ilustrador, interrumpida por su muerte prematura por una tuberculosis a la edad de 25 años. La personalidad carismática y enigmática de Beardsley contribuyó al fenómeno generado por él y por su arte.

La última exposición que presenta el Museo Munch antes de trasladarse al nuevo edificio abarca por primera vez obras de todas sus colecciones. Esta es la última oportunidad de visitar el Museo Munch en el que ha sido su edificio icónico desde 1963.

La exposición incluye obras célebres de Munch como El grito, Madonna, Noche estrellada, El beso, y otras joyas de artistas como Amaldus Nielsen, Harriet Backer, Ludvig Ravensberg, Teddy Røwde, Jakob Weidemann y Johan Berner Jakobsen.

Debido a la pandemia del Covid-19 este año 2020 la Feria Modernista de Barcelona se celebrará, excepcionalmente, en formato virtual; se podrá seguir en línea por las redes Instagram, You Tube y Twitter en @rutamodernisme i @coreixample, junto con los actos de la Fiesta Mayor de la Derecha del Eixample, con actividades virtuales sin público, y en las fechas en que estaba prevista, el 5, 6 y 7 de junio de 2020. Este año la Feria estará dedicada a la escritora, periodista y feminista Dolors Monserdà (Barcelona, ??1845-1919), en conmemoración del año dedicado a Monserdà.

Consulta el programa de las actividades entre el 3 i el 7 de junio de 2020 en este enlace (castellano):

http://www.rutadelmodernisme.com/PopUpEsdeveniment.aspx?idEsdv=746

La exposición explora los vívidos diseños de Tiffany en relación con los movimientos artísticos y artesanales emergentes a principios del siglo XX. A partir de la exhibición dinámica e iluminada de veinte de las mejores lámparas de mesa y de pie del diseñador, "Tiffany en flor" introduce a los visitantes en la magia que Tiffany creó con miles de fragmentos de cristal y la energía de moda de las lámparas eléctricas. Fotografías de época y relatos de sus artesanos permiten adentrarse en la tienda y estudio de Tiffany.

La exposición, que se podrá visitar en Sevilla hasta el 28 de junio de 2020, tiene como objetivo mostrar cómo la mujer era vista a finales del siglo XIX y principios del XX.
La muestra presenta un total de 47 obras, entre las cuales encontramos 42 pinturas y 5 estatuas. Los 29 artistas representados, a excepción de Pierre-Auguste Renoir y Joaquín Torres García, son todos españoles de la talla de Joaquín Sorolla, Ramón Casas, Benjamín Palencia, Anglada Camarasa o Santiago Rusiñol.

La exposición traza el recorrido y las influencias artísticas y filosóficas que nutrieron el artista Giorgio de Chirico de Múnich a Turín, luego en París donde descubrió la vanguardia pictórica de su tiempo y finalmente a Ferrara. La muestra pone en valor los vínculos del pintor -descubierto por Apollinaire y posteriormente apoyado por el comerciante de arte Paul Guillaume- así como con los círculos culturales y literarios parisinos.

La muestra itinerante "El Modernismo y las flores. De la naturaleza a la arquitectura" está dedicada a la representación de plantas y flores aplicadas a la construcción a través de las artes decorativas del Modernismo. Por primera vez una muestra establece un diálogo entre el mundo vegetal y la arquitectura modernista. El discurso expositivo se estructura en cuatro ámbitos. En el primero se explica el proceso creativo que realizaban los artistas para "capturar" las imágenes de las flores. En el segundo se realiza un recorrido por ocho artes aplicadas a la arquitectura -cerámica, mosaico, hierro, piedra, estuco, mosaico hidráulico, vitral y yeso- y sus procesos de creación. En el tercero se ofrece un paseo expositivo de flores y plantas que recrean un jardín gigantesco e inmutable. Finaliza con el planteamiento de la dificultad en la conservación de las artes aplicadas a la construcción.  En la Casa-Museo Lluís Domènech i Montaner de Canet de Mar, la exposición se amplía con nuevas piezas, además pone una especial atención a la representación de las flores en la cerámica utilizada por el arquitecto en sus edificios.

La muestra está comisariada por Fàtima López, Marta Saliné y Sergio Fuentes, doctores en Historia del Arte y miembros del grupo de investigación GRACMON de la Universidad de Barcelona.

Una muestra  dedicada a la figura de Isidre Nonell (Barcelona, 1872-1911), uno de los mejores artistas de finales del siglo XIX e inicios del XX, del cual el Museo Nacional de Arte de Cataluña conserva un importantísimo fondo.

l Centro de Investigación del Museo Horta organiza un coloquio dedicado a la ornamentación en el Art Nouveau.
En esta jornada de estudio intervendrán historiadores del arte, de la arquitectura, artistas, coleccionistas y artesanos para presentaros un rico panel internacional sobre investigación y perspectivas relacionadas con la ornamentación en el Art Nouveau.

El coloquio se celebrará de 9 a 17 horas en el CIVA e irá seguido de una recepción y una visita a la exposición en el Museo de Horta: "Los secretos de los talleres: la ornamentación en el Art Nouveau".

Puede descargarse el programa haciendo clic aquí (disponible en francés).

Para más información puede contactar con Camille Paget: camille@hortamuseum.be o llamando al: +32 02 543.04.90

Intercambio de ideas, historia, crecimiento intelectual, futuro... Estas son las bases que plantea el III Congreso Iberoamericano de Historia del Mueble 2020 y que traerá a Barcelona a grandes expertos del sector de todo el mundo. Se trata, en este sentido, del único congreso que profundiza en la historia del mueble y que aglutina conocimientos de valor para avanzar en este campo de investigación.

Bajo el lema Connexiones/Conexões/Connections, se pondrán en relieve las conexiones espaciales, temporales matéricas y formales del mobiliario español, portugués e inglés, los tres idiomas que tratará el Congreso.

Las propuestas de comunicación se pueden presentar hasta el 31 de marzo en: congreso@estudidelmoble.com

La exposición del MAK presenta a Otto Prutscher (1880-1949), setenta años después de su muerte, en los variados papeles que desempeñó en el desarrollo de la modernidad vienesa. Prutscher fue un arquitecto y un diseñador que utilizó todos los materiales de las artes aplicadas, fue diseñador de exposiciones, profesor y miembro de todos los movimientos de reforma artística importantes, desde la Secession a los Wiener Werkstätte (Talleres Vieneses) y la Werkbund.

La muestra se adentra en el espíritu de una época marcada por la presencia del azul y de sus connotaciones. Se trata de un período, el de finales del siglo XIX y comienzos del XX, en que se constituye una poetización estética basada en la relación entre los paisajes, los fenómenos de la naturaleza y los estados anímicos. Esta correspondencia entre la naturaleza y el yo se inscribe en el proyecto de la modernidad, transita por el simbolismo y ve nacer el cinematógrafo.

El congreso abordará el término Revivals en relación con las artes decorativas y el diseño entendidos como cualquier elemento del menaje del hogar o de espacios públicos incluyendo, pero no solo, tejidos, orfebrería, mobiliario, papel pintado, vajillas, interiorismo, diseño gráfico, además de accesorios personales (excluyendo la moda). Se acogerán también presentaciones sobre revivals dentro del marco de las tradiciones decorativas y de las artes aplicadas (cerámica, laca, metal, textil, madera, etc.) realizados con fines funcionales o artísticos.

Después del congreso se incluyen dos días extras para visitar Coimbra y Porto el 17 y el 18 de octubre.

Las propuestas de comunicación se pueden presentar hasta el 15 de abril del 2020.

Para más información (en inglés), clicar aquí.

Comisariada por la directora del Museo, Pilar Vélez, y la prof. emérita, Mireia Freixa, la muestra "Modernismo: hacia la cultura del diseño" explora el Modernismo como origen de la cultura del diseño moderno, contextualizándola en el contexto europeo subrayando las especificidades catalanas.

El redescubrimiento de las mujeres artistas de la modernidad vienesa se inició a principios del 2019 con la exposición "Ciudad de mujeres" en el Bajo Belvedere. En el 2020, el Belvedere continúa su trayectoria dedicando una exposición a Elena Luksch-Makowsky, una de las protagonistas centrales de ese período. A principios del siglo XX, se podían encontrar obras de esta artista en todas las principales instituciones y medios artísticos vieneses, incluyendo Ver Sacrum, los Wiener Werkstätte, la Secession y la Galería Miethke.

La exposición está dedicada al artista visual y arquitecto noruego Harald Krohg Stabell (1874-1963), que vivió y trabajó en Ålesund durante el período de reconstrucción después del incendio de la ciudad en 1904.
La muestra presenta dibujos arquitectónicos, acuarelas y grabados en madera con motivos de Ålesund y sus alrededores.

El mosaico de trencadís es una de las imágenes que mejor identifican la obra de Antoni Gaudí. En el Modernismo, la arquitectura representa la síntesis de todas las artes y, gracias al uso adecuado de la ornamentación, se genera una rica combinación de formas, volúmenes, texturas y también de colores -un color que viene dado, sobre todo, por el uso del mosaico de cerámica y vidrio.

Esta exposición quiere explicar el origen y evolución del trencadís que acaba en un proceso de deconstrucción de esta técnica, descubriendo la materia prima a partir de la cual se compone. Así, se presentan piezas originales y réplicas junto a fotografías, de forma que se pueden identificar una gran parte de los materiales empleados.

En ocasión del 150 aniversario de Adolf Loos (1870-1933), el MAK presenta una exposición que ha sido desarrollada en colaboración con el Albertina: "ADOLF LOOS: viviendas privadas". A lo largo de su vida, Loos se dedicó a las viviendas privadas y públicas. Esta muestra se centra en las privadas y presenta dibujos de diseños, planos, fotos y maquetas de sus casas unifamiliares, villas y casas de campo, la mayoría lujosamente amuebladas. Como contraste, la presentación incluirá también proyectos sociales revolucionarios, tales como edificios para la municipalidad de Viena.

Con motivo del 70.º aniversario de la muerte de Otto Prutscher, esta exposición destaca la importancia de su obra para el desarrollo de la Era Moderna vienesa. La muestra está dedicada a la asociación de Josef Hoffmann (1870-1956) con Otto Prutscher (1880-1949). Arquitecto y diseñador, igual que Hoffmann, Prutscher fue experto en todos los materiales utilizados en las artes aplicadas. Era diseñador de exposiciones, maestro y miembro de los principales movimientos de reforma artística desde la Secession a los Wiener Werkstätte y el Werkbund.

El Palacio Güell presenta hasta el 30 de mayo de 2021 una exposición dedicada al pintor Aleix Clapés. El artista barcelonés (1846-1920) fue, durante muchos años, compañero inseparable de viaje y el pintor predilecto de Eusebi Güell y de Antoni Gaudí. Artista de una potencia expresiva extraordinaria, fue también el pintor por excelencia del Palacio Güell, el único que intervino en la decoración primigenia del edificio, tanto en el interior como en el exterior.

La muestra presenta una de las obras más destacadas de Aleix Clapés, que se creía desaparecida desde hace más de un siglo. Se trata de El peón (ca. 1886), que ha sido descubierta durante la preparación de esta exposición. Tal como explican los historiadores del arte Carlos Alejandro Lupercio y Josep Casamartina, existe una leyenda familiar según la cual León Trotski habrá comprado la obra en París en 1920 y la habría enviado al Kremlin. Hoy se sabe que el cuadro no salió de Barcelona.

Esta exposición presenta una amplia y variada selección de las pinturas de Anglada Camarasa, con la idea de mostrar el conjunto desde una visión personal y romántica que evoca aquella disposición del Museo de Pollença. Una oportunidad única para acercarse a la obra de Anglada-Camarasa a través de una propuesta expositiva distinta a como se ha mostrado la obra en CaixaForum hasta ahora.

La exposición crea un rico panorama que ofrece una mirada única y compleja a la fascinación que ejerce la Viena de alrededor del año 1900 y la atmosfera vibrante de esta época. Se trata de una muestra semipermanente que abarca alrededor de 1.300 obras expuestas en tres plantas, y que presenta el esplendor y la riqueza de los logros artísticos e intelectuales de este período a través de obras maestras del Leopold Museum, así como de préstamos permanentes de colecciones austríacas e internacionales.