This major exhibition brings together 45 works by Vincent van Gogh to reveal how he was inspired by Britain and how he inspired British artists.

La couleur bleue définit le caractère spirituel et esthétique de l'art entre les deux siècles, et représente un lien poétique entre les phénomènes de la nature et les états d'âme.
Une fois la période d'exposition à Séville terminée, on pourra voir l'exposition dans deux autres villes espagnoles.

L'exposition aujourd'hui présentée à Liverpool est une exposition itinérante organisée en 2018 pour célébrer le 150e anniversaire de la naissance d'un de ses plus grands fils, l'architecte, designer et artiste Charles Rennie Mackintosh.
La pièce maîtresse des célébrations de la ville a été l'exposition temporaire des musées de Glasgow acclamée par le public, "Charles Rennie Mackintosh - la fabrication du style Glasgow " à la galerie d'art et musée Kelvingrove. Si vous l'avez raté à Glasgow, alors n'ayez crainte, il y aura des opportunités pour la voir en tournée : d'abord à Liverpool, et à travers les États-Unis dans les années à venir.

Pour plus d'information sur la tournée américaine: www.amfedarts.org

L'exposition itinérante "Le Palau dels Artesans" vous permet de découvrir, à travers les photographies de Ramon Manent, les formes uniques, les pièces et les structures cachées dans chaque pièce et coin de ce palais urbain construit par l'architecte Antoni Gaudí à la fin du XIXe siècle.

L'exposition montre l'influence d'Antoni Gaudí sur l'oeuvre de Miró à travers un ensemble de gravures Serie Gaudí, 21 pièces de différentes tailles présentant des personnages fantastiques qui lui permirent de lui rendre hommage au milieu des années soixante-dix. Miró s'intéressait au rythme et à la structure de l'architecture de Gaudí et partagea avec l'architecte le questionnement des procédures et les matériaux d'expression ainsi qu'un lien profond avec la nature, génératrice des ses créations. Le traitement de la couleur, et l'utilisation de la courbe dans les gravures rappellent la technique du trencadís, réalisée avec des morceaux de céramique réutilisés, caractéristique de l'oeuvre de Gaudí.

Cette exposition se propose de récupérer l'oeuvre d'un peintre catalan qui connut un grand succès sa vie durant, mais qui avec le passage inexorable du temps a été oublié par les différentes générations d'historiographes.

L'exposition propose un parcours à travers l'oeuvre d'Antoni Fabrés i Costa (1854 - 1938), sculpteur et peintre, qui à l'âge de vingt-et-un ans et alors qu'il était encore élève de l'Escola Llotja de Barcelone, gagna une bourse pour partir à Rome, ville qui à l'époque était la destination naturelle pour les artistes remarquables. Il arriva là-bas un an après la mort de Mariano Fortuny, et se consacra au dessin, à la peinture et à l'aquarelle, trois techniques qu'il domina comme personne à son époque.

Pour commémorer le centenaire de la fondation du Bauhaus, l'Institut Mathildenhöhe présente une exposition qui jettera un éclairage sur l'importance du Bauhaus et de l'architecture après la Deuxième Guerre Mondiale. L'exposition en 1901 réalisée par la colonie d'artistes de Darmstadt fut la première exposition permanente d'architecture moderne dans le monde et elle influença de nombreux projets de planification urbaine et d'expositions depuis cette époque. C'étaient principalement les membres de la colonie Joseph Maria Olbrich et Peter Behrens qui présentèrent de nouvelles idées à Darmstadt à travers leur design holistique et leur architecture futuriste, qui furent à leur tour développés par le Werkbund, qu'ils cofondèrent ensemble, et finalement par le Bauhaus. Ce n'est pas un hasard si les directeurs du Bauhaus, Walter Gropius et Ludwig Mies van der Rohe, travaillèrent tous deux dans le studio de Peter Behrens au tout début de leur carrière et qu'ils furent les témoins de comment l'architecte utilisa un design créatif, artisanal et une fabrication à grande échelle. Après 1945, l'héritage de la colonie d'artistes de Darmstadt inspira la ville détruite par la guerre à se reconstruire comme un centre d'architecture moderne et de design et ces initiatives conduisirent à la construction de plusieurs "Meisterbauten" (Chefs-d'oeuvre de création architecturale) conçues par des architectes de renom tels que Max Taut, Otto Bartning et Ernst Neufert.

Cette installation est la première rétrospective sur le continent européen d'Harald Sohlberg (1869-1935),  l'artiste peintre norvégien, en honneur du 150e anniversaire de sa naissance. Sohlberg, qui fut un contemporain et un ami d'Edvard Much (1863-1944), est plus connu pour son chef-d'œuvre Nuit d'hiver à Rondane, produit entre 1899 et 1914. Cette peinture captive aujourd'hui encore l'âme des Norvégiens et a été élue comme la peinture la plus populaire dans le pays par ses habitants dans les années 1990. Cet icône de l'art norvégien, qui n'a jamais été prêté depuis son acquisition par le Musée National à Oslo en 1918, sera exposé à Wiesbaden.

Helene Schjerfbeck (1862-1946) est une icône nationale finlandaise. Du style naturaliste de ses débuts  - perfectionné pendant ses études en France- à ses autoportraits hautement abstraits, cette exposition présentera Schjerfbeck au public britannique pour la première fois.

La nouvelle exposition numérique de l'Atelier des Lumières propose une immersion dans les toiles de Vincent van Gogh. Épousant la totalité de l'espace de l'Atelier, cette nouvelle création visuelle et sonore retrace la vie intense de l'artiste tourmenté qui peignit pendant les 10 dernières années de sa vie plus de 2000 tableaux, aujourd'hui dispersés à travers le monde.

Avec des affiches et peintures, sculptures, meubles et céramiques, l'exposition illustre l'extraordinaire épanouissement artistique et artisanal qui a bouleversé et changé le goût décoratif au début du xxè siècle.

À l'occasion du 70e anniversaire de la mort d'Otto Prutscher, l'exposition souligne l'importance de son œuvre pour le développement de l'Art nouveau viennois.
L'exposition est consacrée à Josef Hoffmann (1870-1956) en association avec Otto Prutscher (1880-1949). Pruschler, comme Hoffmann, était architecte et designer; il maîtrisait tous les matériaux utilisés dans les arts appliqués. C'était un designer d'expositions, un professeur et un membre des mouvements artistiques de réforme les plus importants, de la Sécession aux Wiener Werkstätte et au Werkbund.

Cette exposition présente une sélection ample et variée des toiles d'Anglada Camarasa, avec l'idée de montrer l'ensemble dans une vision personnelle et romantique qu'évoque cette disposition du musée du port de Pollença. Une opportunité unique pour découvrir l'œuvre d'Anglada-Camarasa à travers une proposition d'exposition différente de celle que présentait le CaixaForum jusqu'à maintenant.

Cette présentation nouvellement conçue de la collection créée un tableau opulent qui permet une vision unique, riche et complexe de la fascination exercée par Vienne autour de 1900 et l'atmosphère de cette époque vibrante. Comprenant près de 1300 oeuvres distribuées sur trois étages, l'exposition semi-permanente présente la splendeur et la richesse des accomplissements de cette époque à travers des chefs-d'oeuvre du musée Leopold, ainsi que de prêts permanents éminents de collections autrichiennes et internationales.